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La evolución de la comunicación

El ser humano es un animal social que desde la antigüedad se ha comunicado con los demás. La comunicación humana surgió en el momento en que nuestros ancestros en su lucha por la supervivencia y en respuesta a sus instintos se vieron obligados a transmitir a quienes les rodeaban, sus impresiones, sentimientos, emociones. Para ello se valieron de la mímica, de los gritos y las interjecciones, lo que constituyó un lenguaje biológico.

Posteriormente surgió el lenguaje hablado y las manifestaciones pictóricas. Aparecen las pinturas rupestres, los jeroglíficos; pudiendo así el hombre, por primera vez expresar su pensamiento de un modo gráfico. El pensamiento humano ha evolucionado tornándose cada vez más complejo y ecléptico, acorde a este y como representación del mismo su expresión gráfica ha sufrido una evolución similar. Hemos pasado de las primeras figuras simples  y esquemáticas que reproducían la realidad más cercana de sus artífices a las complejas composiciones de hoy.

Los antropólogos opinan que el hombre prehistórico entró en la era del habla y del lenguaje alrededor de 40.000 años atrás. Para el hombre Cromagnon el lenguaje ya era de uso común. Hace 5.000 años se produjo la transformación hacia la era de la escritura, la que se constituyó en una progresiva herramienta del progreso humano. Llegar a la escritura significó pasar antes por las representaciones pictográficas que reflejaban ideas hasta la utilización de letras que significaran sonidos específicos.

Otro de los mayores logros humanos a favor de la comunicación se produjo en el siglo XV con la aparición de la imprenta de tipo móviles  que reemplazó a los manuscritos. La idea fue concebida por un orfebre, Johann Gutemberg, quien después de muchas pruebas  descubrió un sistema único para hacer los caracteres de imprenta. El nacimiento del libro amplió las posibilidades de la comunicación y la difusión de la lectura  y de la escritura.

 

 

 

 

 

 

 

 

En el siglo XIX se desarrollaron los primeros medios de comunicación  instantánea: el telégrafo por cable (Samuel Morse en 1844) y el telégrafo sin hilos (Guillermo Marconi en 1895). En 1876 el ingeniero Alexander Graham Bell inventó el teléfono, aparato que sirvió para comunicarse a grandes distancias.

El cine fue inventado en 1895  en Francia, por Conisy Auguste Lumiere, y ya en 1897 Eugenio Py produjo en nuestro país la primera filmación local, se trataba de una breve película cuyo tema era la bandera Nacional. A las primeras versiones de cine “mudo”, se sumaron en las décadas de 1920 y 1930 el cine sonoro, los filmes en color (popularizados luego de la Segunda Guerra Mundial), el cinema Scope y otras técnicas. Su impacto sobre la sociedad fue notable.

La primera década del siglo XX aportó muchos perfeccionamientos técnicos, los equipos de radio se hicieron más livianos y poco a poco, la radiotelefonía se generalizó, sobre todo después de la primera Guerra Mundial. La primera transmisión radial Argentina tuvo lugar en 1920. En 1929, J. Boird basándose en experimentos anteriores consiguió la primera transmisión televisiva, con una imagen muy poco definida. Diversas modificaciones técnicas las fueron perfeccionando y poco después se ponían en marcha las primeras emisiones públicas. El nuevo medio fue paulatinamente incorporado a los hogares y en el período inicial, tener un televisor era para las familias un símbolo de status.

La televisión se generaliza a partir de la Segunda Guerra Mundial; en nuestro país el primer canal emisor se inauguró en 1961 Al iniciarse la década del ´80 existían en nuestro país 155 emisoras y repetidoras de radio y 39 canales de emisores de televisión a los que se sumaban, a su vez, más de 90 repetidoras.

En 1994 se calculaba que funcionaban en nuestro país, más de 3300 emisoras de radio y 1200 de televisión. Estas cifras comprenden desde las emisoras oficialmente reconocidas hasta las radios de escaso alcance; desde los canales televisivos abiertos o de cable hasta las simples estaciones repetidoras.

 
 

El origen del cine

El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento mostrando algún vídeo. La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1985, fecha en la que, Louis y Auguste Lumière  realizaron la primera proyección de cine, llamada “Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”, fueron 10 o 12 pequeños documentales que dieron inicio a lo que ahora conocemos como arte, industria y espectáculo; una combinación entre ciencia y reflectores, fama y fortuna. En esos segundos proyectaron la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto. La proyección fue un éxito no solo en Francia, sino también en el resto de Europa y en Norteamérica. Gracias a este éxito los hermanos Lumière proyectaron en un año más de 500 películas, de las que destacan Llegada de un tren a la estación de la Ciotat, El desayuno del bebé y El regador regado, películas que acabaron aburriendo al público al ser muy monótonas por la ausencia de actores y decorados y por la brevedad.

Tras los hermanos Lumière, George Méliès revolucionó el cine al desarrollar nuevas tecnologías y al contar historias ficticias. Su principal aportación al cine es Viaje a la Luna en la que introdujo los primeros efectos especiales. Otra de sus películas importantes fue Viaje a través de lo imposible, que también cuenta con algunos efectos especiales.

David Wark Griffith está considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado «El padre del cine moderno». Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras “El nacimiento de una nación” (1914) e “Intolerancia” (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.

David Wark Griffith

El acorazado Potemkin es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta ruso Sergéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica. Es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. En esta obra Sergéi Eisenstein introdujo inclinaciones de cámara que daban como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relataba. Se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente.

 
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Publicado por en 10/01/2011 en Cine, Investigación

 

Peso visual y puntos fuertes en la composición.

La composición es la disposición de los objetos que intervienen en una imagen.

– Los objetos enmarcados producen una sensación de “peso visual” (interés o atracción visual) variable. Algunas reglas sobre el peso visual son:

– A mayor tamaño del objeto, mayor peso visual (los objetos pequeños pueden pasar desapercibidos, especialmente en imágenes en movimiento. De ahí que se utilicen planos detalle para presentar objetos que tienen importancia para la comprensión de la narración audiovisual.

– Cuanto más alejado del centro del encuadre (más arriba y más a la derecha) se encuentre el objeto mayor será su peso visual.

– Los tonos saturados tienen mayor peso visual que los poco saturados.

– Los colores cálidos (rojo, naranja, amarillo) tienen más peso visual que los colores fríos (verde, azul, violeta).

En la composición se busca el equilibrio de los elementos que intervienen en la imagen. Esto se logra con imágenes simétricas.

En la práctica, se divide en tres partes iguales en el sentido horizontal y en el sentido vertical. Las líneas divisorias se cruzan en cuatro puntos que se llaman “puntos fuertes” y son los puntos donde más resaltan los elementos de la imagen que tienen más interés.

Los “puntos fuertes”

La regla de los tercios orienta a la hora de situar la línea del horizonte. Esta línea no la situaremos en el centro de la pantalla, sino en el tercio superior (para resaltar la tierra) o en el tercio inferior (para resaltar el cielo).

Las diagonales que finalizan en el horizonte resultan más agradables y adquieren mayor fuerza cuando van a un punto fuerte.

En composición es importante el aire que es el espacio que rodea a los personajes por encima y a los lados. Respecto del aire hay que tener en cuenta:

Debe haber más aire en la dirección de la mirada del personaje o en el sentido del movimiento del personaje.

En los primeros planos el aire por encima de la cabeza del personaje debe ser muy pequeño y debe aumentar a medida que nos acercamos a los planos generales.

 
 

La composición de la imagen

La composición de la imagen es el procedimiento mediante el cual se organizan sus distintos elementos visuales para provocar un efecto y un sentido determinado de totalidad. Los principios de composición son:

– Claridad-simplicidad: Este principio exige el establecimiento preciso de uno o varios centros de interés sonde se concentra el sentido de la imagen, en torno a los cuales se ordena y jerarquiza la composición.

– Armonía-contraste: En la armonía los elementos guardan semejanza entre sí. El contraste está basado en la diferenciación de sus elementos, como un modo de afianzar la significación de cada uno de ellos.

– El equilibrio: Hace que cada elemento de la imagen esté en su sitio, que no haya zonas vacías ni zonas recargadas.

 Composición estática: el equilibrio se puede obtener por simetría, por repetición de elementos o por la organización del espacio en unidades regulares

 Composición dinámica: Es la forma de composición más atractiva y se basa en tres principios fundamentales, jerarquización del espacio, el contraste y el ritmo.

– Centro de interés y pesos visuales: El centro de interés es la figura alrededor de la cual gravitan los demás elementos de la composición y armonizan con la misma. Es el protagonista de la imagen.

Una fotografía debe tener un único centro de interés, porque de lo contrario la percepción se dispersa. La carencia de un centro de interés  provoca que una obra pueda pasar inadvertida.

El ejemplo más simple de centro de interés está dado por los ojos en un retrato. Es la figura, dentro de un conjunto armónico, que primero llama la atención del observador, y una de las recomendaciones más comunes que se hace a quien se inicia en fotografía es que debe poner el foco con precisión en los ojos. Deducimos que ese centro debe estar enfatizado, como condición básica, por la máxima nitidez en la superficie de la fotografía.

En la fotografía de personas, el centro de interés no es excluyente en los ojos: las manos, detalles en la vestimenta, y hasta elementos aleatorios como puede ser un instrumento musical, pueden ser también esos centros.

 – El texto y la imagen: En las imágenes estáticas el texto se incorpora como un elemento más. Esto es así porque las imágenes no constituyen un código universal e inequívoco, y las interpretaciones pueden variar según el espectador.

Función de anclaje: Mediante ella se reducen las posibilidades significativas de la imagen, guiando al lector hacia un determinado sentido elegido de antemano. En ocasiones, esta función provoca un equívoco premeditado con vistas a explotar la pluralidad de significados de la imagen.

 

 
 

El encuadre

EL ENCUADRE: El encuadre es la porción del espacio real recogida en una imagen. Podemos distinguir en un encuadre distintos elementos:

– Elementos externos: el tamaño y el formato.

– Elementos internos: la escala, la angulación y la óptica.

La escala: está determinada por el tamaño del objeto o persona dentro de la imagen, por la distancia de este a la cámara y por la óptica empleada. Cada una de las posibilidades en que se puede plasmar la escala en el encuadre se denomina plano. Tomando como base la figura humana se pueden distinguir los siguientes tipos de planos:

– Gran plano general: la escala de la figura humana dentro del encuadre es muy pequeña. Lo que importa es el escenario. Este tipo de plano resulta ideal para dar la sensación de mayor potencia a lo exterior sobre el hombre.

– Plano general: el sujeto aparece completo, ocupando una cuarta parte de la altura del cuadro. Se reconoce al sujeto, que no es absorbido por el paisaje, transmitiendo una sensación de equilibrio entre el paisaje y el individuo.

– Plano general corto: En este tipo de plano caben holgadamente varios personajes y ya se les puede distinguir algunos rasgos y expresiones.

– Plano medio: Corta al sujeto por la rodilla o la cintura. Se aprecia con más claridad la expresión del rostro, aunque la presencia del cuerpo marca una distancia respetuosa. Es muy apropiado para mostrar acciones de personajes en reposo.

– Plano medio corto: Corta al sujeto a la altura del pecho. Es un híbrido entre el plano medio y el primer plano, donde el carácter dramático está centrado en el rostro.

– Primer plano: El sujeto se corta a la altura de las clavículas o de la barbilla. Desliga cuerpo y escenario para mostrar el rostro como espectáculo. Se utiliza para expresar sentimientos, emociones y pensamientos.

– Plano detalle: Presenta una parte del cuerpo: ojos, manos, boca, etc. Produce un fuerte impacto, invitando a profundizar psicológicamente en su interior.

El plano general sirve para mostrar lugares amplios, da sensación de pequeñez.

El plano medio da importancia a la cara y al cuerpo de la persona.

El plano corto se utiliza para resaltar la expresividad de la cara.

Imagen con varias escalas.

La angulación: La angulación de un plano es la inclinación de la cámara con relación al objeto a fotografiar. Cada uno de los puntos de vista de un plano ofrece un ángulo distinto desde el que se puede registrar la realidad. Tipos de angulación:

– Ángulo normal o medio: Es aquel en el que el eje óptico de la cámara coincide con la línea horizontal que va desde el ojo al horizonte.

– Ángulo picado: La escena se registra desde arriba hacia el suelo, produce el mismo efecto que el de contemplar algo desde un nivel superior, dando a las figuras el efecto de empequeñecerse.

– Contrapicado: Es el efecto contrario al ángulo picado. El ángulo del visor de la cámara es ascendente. Es la posición del que mira desde abajo. El valor expresivo de este ángulo determina potencia y superioridad.

La óptica: Un objetivo es un tubo que dirige el haz de la luz hacia la cámara fotográfica. Contiene lentes, que pueden ser de cristal o de plástico y puede ser un objetivo fijo o intercambiable. Hay tres tipos de objetivos:

– Objetivo normal: Reproduce los objetos en una proporción similar a la de nuestra vista. Abarca unos 50 grados. Se utiliza en plano general y plano medio.

– Objetivo gran angular: Abarca un ángulo aproximado de 60 grados. Su ángulo de visión es mayor al de la visión humana. Se utiliza para grandes planos generales y en imágenes panorámicas.

– Teleobjetivo: Se da con gran variedad de angulaciones. Permite cerrar el encuadre centrándose en partes muy concretas de un motivo general y dando poca profundidad de campo. Se utiliza para realizar fotografías de deportes, competiciones y otras actividades al aire libre.

 

La foto tomada con un objetivo gran angular permite separar los planos de la imagen.

El teleobjetivo permite fotografiar objetos pequeños.

El desenfoque de esta imagen muestra el movimiento del coche (barrido)y muestra una estela.

 

 

 

 

 

 

 
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Publicado por en 06/12/2010 en Imagen, Investigación, Trabajos

 

Funciones del color

Colores cálidos: Los colores cálidos son aquellos colores que producen un efecto estimulante, alegre, energizante. En la rueda cromática abarcan el espectro de los rojos a los amarillos, pasando por toda la gama de naranjas y algunos marrones. Una de sus cualidades es la de dar la sensación de cercanía, de avanzar, es por eso que son ideales para hacer acogedores espacios alto, grandes, realzar muebles pequeños. Son colores que debemos manipular con moderación, ya que en exceso pueden recargar y hacer que un ambiente resulte abrumador. Para esto siempre es bueno añadir elementos de colores complementarios o neutros, así como utilizarlos en lugares con grandes ventanales, y vistas a jardines o espacios verdes que distiendan y equilibren el peso de estos colores cálidos. Lo ideal es usarlos en proporciones moderadas y muchas veces surten un buen efectos en elementos o accesorios como tapetes, cortinados o tapizados. Por otra parte también pueden ayudar a iluminar algunos espacios, el amarillo por ejemplo es ideal para lugares con poca luminosidad, o los tonos un poco más rojizos para contrarrestar la frialdad de algunos metales o electrodomésticos por ejemplo en cocinas.

– Colores fríos: Los colores fríos son los colores que se encuentran en la parte del espectro correspondiente a las longitudes de onda mínimas. Se identifican con sensaciones se temperatura opuestas a la de los colores cálidos. La gama gira en torno a azules, verdes y violetas. Los colores fríos sugieren la exposición a los elementos naturales. Son útiles para promocionar productos con una positiva asociación al frío, tales como prendas de invierno, equipos para esquiar o alimentos congelados. Los colores fríos se utilizan con mucha frecuencia para promocionar la vigencia de los productos lácteos o las bebidas refrescantes, así como en productos farmacéuticos, cosméticos y aparatos eléctricos para el baño y la cocina.

Este anuncio utiliza colores fríos que representan elegancia, nobleza, serenidad,pasividad y cautela.

Este anuncio utiliza colores cálido que representan alegría, vitalidad, pasión, impulso, actividad y diversión.

 

– Armonía: Los elementos de la composición guardan semejanzas entre sí, ya sea por el color, la forma, las líneas, las luces… Hay armonía cuando en una composición todos los colores tienen una parte común al resto de los colores componentes. Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono, o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los mismos pigmentos de los restantes. En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación.

Dominante: Es el más neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el mas potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento (alfombra, cortina, etc.)

El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el circulo cromático cercano a la de color tónico.

– Contraste: El contraste se define como la diferencia relativa en intensidad entre un punto de una imagen y sus alrededores. Cuando dos colores diferentes entran en contraste directo, el contraste intensifica las diferencias entre ambos. El contraste aumenta cuanto mayor sea el grado de diferencia y mayor sea el grado de contacto, llegando a su máximo contraste cuando un color está rodeado por otro. El efecto de contraste es recíproco, ya que afecta a los dos colores que intervienen. Todos los colores de una composición sufren la influencia de los colores con los que entran en contacto.  Existen diferentes tipos de contraste:

De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.

Contraste de clarooscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno

Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario).

Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilicemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.

Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.

Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el triángulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.

Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Simbolismo del color:

El blanco significa inocencia, paz y rendición. Los cuerpos blancos dan idea de pureza y modesta.

El negro transmite nobleza y elegancia. Es el color del error y el mal.

El gris simboliza neutralidad.

El amarillo es el color que se relaciona con el sol y significa luz radiante, alegría, estímulo, poder, arrogancia, buen humor y voluntad.

El rojo significa sangre, pasión, violencia, actividad, impulso y acción, y es el color del movimiento y la vitalidad.

El azul, color del cielo y el agua, muestra serenidad, frialdad, inteligencia, verdad, recogimiento, espacio, inmortalidad, paz y quietud.

El naranja, mezcla de amarillo y rojo, muestra ardor, incandescencia y euforia.

El violeta representa madurez, delicadeza, profundidad, maticismo, melancolía, realeza, suntuosidad y dignidad

El verde representa reposo, esperanza, juventud, primavera y frescor.

 
 

Temperatura del color

El efecto cromático que emite la luz a través de una fuente luminosa depende de su temperatura. Si la temperatura es baja, se intensifica la cantidad de amarillo y rojo contenida en la luz, pero si la temperatura de color se mantiene alta habrá mayor número de radiaciones azules.
Las temperatura cromática, se puede modificar anteponiendo filtros de conversión sobre las fuentes luminosas.

Los colores se forman a partir de la mezcla de los primarios, el azul cian, el magenta y el amarillo. La mezcla de colores primarios da los secundarios, cian + amarillo = verde; cian + magenta = violeta; magenta + amarillo = naranja. La mezcla de colores secundarios da los colores terciarios.

Tomando como base círculo cromático podemos definir los siguientes grupos de colores:

–          Colores acromáticos: aquellos situados en la zona central del círculo cromático, próximos al centro de este, que han perdido tanta saturación que no se aprecia en ellos el matiz original.

–         Colores cromáticos grises: situados cerca del centro del círculo cromático, pero fuera de la zona de colores acromáticos, en ellos se distingue el matiz original, aunque muy poco saturado.

–         Colores monocromáticos: variaciones de saturación de un mismo color (matiz), obtenidas por desplazamiento desde un color puro hasta el centro del círculo cromático.

–         Colores complementarios: colores que se encuentran simétricos respecto al centro de la rueda. El Matiz varía en 180 º entre uno y otro.

–         Colores complementarios cercanos: tomando como base un color en la rueda y después otros dos que equidisten del complementario del primero.

–         Dobles complementarios  dos parejas de colores complementarios entre sí.

–         Tríadas complementarias: tres colores equidistantes tanto del centro de la rueda, como entre sí, es decir, formando 120º uno del otro.

–         Gamas múltiples: escala de colores entre dos siguiendo una graduación uniforme. Cuando los colores extremos están muy próximos en el círculo cromático, la gama originada es conocida también con el nombre de colores análogos.

–         Mezcla brillante-tenue: se elige un color brillante puro y una variación tenue de su complementario.

Síntesis aditiva: La superposición de haces de luces de los colores primarios rojo, verde y azul para obtener otra gama y matices de diferentes colores se conoce como “síntesis aditiva”. La síntesis aditiva se crea cuando proyectamos y superponemos tres haces de luz de los colores primarios, o sea,  rojo, verde.y azul.  En el punto donde se superponen dos colores primarios, se  crean, a su vez, los colores secundarios cian, magenta y amarillo. En el punto central, donde se superponen los.tres haces de luz, aparece el color blanco. Como en inglés el color rojo se denomina “Red”, el verde “Green” y el azul “Blue”, el proceso de síntesis aditiva generalmente se identifica por medio de las primeras letras de esas palabras “RGB”, aunque en algunos textos pueden aparecer traducidas como “RVA”, correspondiente a las iniciales de esas mismas palabras en español. En el punto donde el haz de luz roja se superpone con el de luz azul, aparecerá el color magenta (rosa); donde se superponen los haces rojo y verde, se verá amarillo; el punto de superposición de los haces verde y azul tomará el color cian (azul cielo) y el centro, donde se interceptan los tres colores quedará incoloro, o blanco, que es el color correspondiente a la superficie de proyección.

Síntesis sustractiva: explica la teoría de la mezcla de pinturas, tintas y colorantes naturales para crear colores que absorben ciertas longitudes de onda y reflejan otras. El color que parece que tiene un determinado objeto depende de qué partes del espectro electromagnético son reflejadas por él, o dicho a la inversa, qué partes del espectro no son absorbidas. El proceso de absorción de los colores por la superficie de los objetos recibe el nombre de “síntesis sustractiva”. La síntesis sustractiva también se manifiesta cuando mezclamos los llamados “colores primarios”, es decir, cian, magenta y amarillo. Es muy común encontrar las siglas CMYK, abreviatura de las palabras en inglés Cyan (cian), Magenta (magenta), Yellow (amarillo) y blacK (negro) para referirse a la tecnología de impresión por cuatricromía, es decir, por cuatro colores. Si dibujamos tres círculos y los rellenamos con pintura acrílica de los tres colores primarios, se podrá observar que la mezcla del color magenta con el amarillo forma rojo; la de cian con amarillo forma verde; la de cian con magenta forma azul y donde se superponen los tres colores se forma el color negro (ausencia de luz), pues en ese punto todas las frecuencias del espectro de luz blanca se absorben y no las vemos.